Mas isso não impediu Stephen Strange de saltar dos quadrinhos para a televisão, em um filme chato, indeciso e, principalmente, escuro. Não, não é obscuro: apesar de ser difícil de encontrá-lo por aí, o problema é a falta de luz mesmo.

E, antes de começar, eu admito: não conheço o Doutor Estranho, não faço ideia de quais sejam seus poderes, vilões, colegas ou fraquezas. Mas um filme ruim é um filme ruim – e a falta de qualidade de “Dr. Strange” (1978) está acima de qualquer preconceito.

Na história, a feiticeira Morgan Le Fray é ressuscitada por uma força maligna para derrotar o Sacerdote Supremo, um sábio ancião que solta brilhos e faíscas pelas mãos. Como já está velho demais, o bruxo resolve chamar seu pupilo, Stephen Strange, que estava em uma espécie de “latência”, vivendo uma vida comum e sem saber que era um super-herói, apesar dos poderes psíquicos adormecidos. Agora, cabe ao Doutor Estranho derrotar a bruxa e impedir o mal de dominar os poderes mágicos na Terra.

Claro que eu fiz um super resumo: para você ter uma ideia de o quanto é confuso esse roteiro, eu tive dificuldades de compreender a sinopse presente na…Wikipédia! O letreiro em vermelho que antecede o filme também não ajuda: fala, fala, fala e joga uma musica de suspense no fundo, mas não explica absolutamente nada.

Bla bla bla bla bla bla bla. Bla bla bla bla bla. Bla bla.

E tudo bem que é um filme de origem, mas o Doutor passa mais de uma hora apenas como psiquiatra, mostrando seus poderes apenas no combate final – que é longo, mas é único. Os 90 minutos poderiam ser cortados, sei lá, pela metade.

Aliás, cabe comentar: Stephen Strange é um dos piores psiquiatras do mundo: chega atrasado porque estava em um encontro, paquera as enfermeiras, atende pacientes em segundos e tem como santo remédio uma noite no leito do hospital. Já a vilã é fraca, sabe apenas fazer caras más e usar truques de convencimento Jedi, assim como o Sacerdote Supremo.

Vocês não vão aprovar esse filme….e nem contar para o George Lucas que roubamos a ideia dele…

O elenco, para poupar orçamento, é formado basicamente por atores jovens e desconhecidos. O diretor/escritor/produtor Philip DeGuere não tem nada de incrivel no currículo, sendo mais focado em roteiros, como dois episódios de “Além da Imaginação”. Peter Hooter, o Estranho, nem tem uma foto no IMDb – e sua participação menos inútil é em “Orca – A Baleia Assassina”, de 1977. Jessica Walter, a vilã, foi a mãe de “Família Dinossauro” – além de vários outros papéis, mas é o que basta para mim.

Com os coadjuvantes, o currículo começa a melhorar. Clyde Kusatsu, que faz Wong, outro pupilo do sacerdote supremo, tem uma lista de filmes tão grande quanto a de Danny Trejo ou Nicholas Cage. Ele é o Admiral Nakamura de “Jornada nas Estrelas – A Nova Geração” e dublou uma série de desenhos. Já Anne-Marie Martin, a estudante Clea Lake, não fez nada de relevante, mas foi esposa do lendário escritor Michael Crichton (“Jurassic Park”, “Twister”, “Plantão Médico” e outros) por cerca de 20 anos.

A vilã é tão sem sal que eu nem achei uma piadinha para fazer na legenda.

A trilha sonora é bizarra: alta demais e presente durante os longos takes do filme, ela nunca parece se encaixar com a situação. Suspense quando não há suspense (como quando uma televisão exibe “Abbott and Costelo Meet Frankestein”), rock psicodélico em cenas aleatórias e sons distorcidos bem desagradáveis para indicar algum ato de magia, como a possessão de um corpo.

Os diálogos parecem reproduzidos em câmera lenta, com falas espaçadas umas das outras e conversas que duram muito mais do que deveriam. Provavelmente a ideia era passar aquela imagem de sabedoria e intelecto avançado dos magos, mas tudo o que consigo sentir é uma monotonia sem tamanho.

Então foi você que me convenceu a me fazer essa bomba?!

Várias cenas envolvendo magia também são extremamente tediosas, com longas sequências de sonhos e delírios envolvendo Clea Lake, uma jovem estudante que vira um peão da feiticeira. O combate final é lento e não passa a menor emoção, mas uma coisa não dá para negar: os efeitos especiais estavam muito bons para 1978.

Mas o que mais incomoda é mesmo a escuridão das cenas fora das ruas ou do hospital. Sombras exageradas, personagens iluminados só por velas ou fontes de luz fraquinhas e uma dificuldade absurda para saber quem está ou não na cena são alguns dos obstáculos que você encontra pelos 90 minutos de filme. Não é um filme de terror, caramba!

Acredite: tem uma cena acontecendo ali no meio.

O filme seria um piloto para uma série planejada para repetir o sucesso alcançado com “O Incrível Hulk”, que entrava em seu segundo ano de exibição na TV, interpretado por Lou Ferrigno. Quando “Dr. Strange” foi exibido em sessão fechada pela primeira vez, entretanto, os patrocinadores, assustados com o resultado final, pularam fora e deixaram o produto como um daqueles “filmes para TV”, algo bastante comum com super-heróis nessa e nas próximas décadas.

Outra coisa: quando um super-herói é adaptado para fora dos quadrinhos, o mínimo que os fãs esperam é uma aparência similar, certo? É só pegar o uniforme perfeito do Homem-Aranha ou a adaptação do Homem de Ferro para perceber com uma boa roupa automaticamente conquista os fãs. Com a identidade secreta do Doutor está tudo bem, mas o mago ganha uma vestimenta digna dos desfiles carnavalescos mais capengas.

A-la-la-ô-ôôô-ôôô! Mas que calo-ooo-ooor!

No fim das contas, “Dr. Strange” não se decide como um longa de mistério, passa longe do suspense e parece querer fugir de ser algo sobre super-heróis – e não cumpre uma boa missão em nenhum desses gêneros. Uma coisa é certa: apesar de não ser extremamente trash como outras obras já analisadas aqui, estamos diante de mais um filme bastante ruim. Ah, se desse para fazer ele desaparecer…

Mas foi outra concepção desse monstro que caiu nas graças do povo: aquele que se levanta depois de morto, caminha a passos lentos e mancos e só tem um desejo, que é o de perseguir os ainda vivos e deliciar-se com a carne fresca de suas vítimas. Quem bolou essa criatura, que teve como base uma série de personagens da literatura e do cinema, foi George A. Romero, da até agora hexalogia que começou com “A Noite dos Mortos-Vivos” (The Night of the Living Dead, 1968).

E o primeiro deles a gente não esquece.

Seja o monstro pálido e pixelado em Resident Evil, seja o interpretado por Bill Hinzman, que faleceu no último domingo (05) aos 75 anos, vítima das complicações de um câncer. É ele o ator responsável por iniciar o medo (e a adoração) aos mortos-vivos, com o papel do zumbi que surge no mesmo cemitério em que Barbara e seu irmão, Johnny, acabam de visitar – tudo depois das brincadeiras de “They are coming to get you, Barbara” feitas pelo rapaz, que acabam sendo verdade durante o filme.

A atuação não tem absolutamente nenhum destaque, a luta com Johnny é desajeitada e ele até pega uma pedra para quebrar a janela do carro da mocinha, algo considerado “avançado demais” por alguns fãs mais conservadores dos mortos-vivos.

Além disso, não sabemos a origem desse zumbi, quem ele era, como morreu ou o motivo de ter se levantado (embora a notícia de uma missão espacial que deu errado seja levemente introduzida durante o filme). Mas nem por isso deixamos de sentir tanto fascínio por aquele cadáver ambulante, que deu início a um legado que já dura cinco décadas – e parece ter encontrado seu auge em quantidade e popularidade nos dias de hoje.

Mas Hinzman não seria tão adorado apenas por sua importância cinematográfica: ele era muito reconhecido por seu carisma, uma simpatia fora do comum e a presença garantida em eventos e convenções de terror, desde Zombie Walks até mostras de cinema – nem sempre caracterizado como o personagem que o consagrou, mas sem nunca tirar o sorriso do rosto.

O cara poderia ter se tornado um aposentado recluso e arrogante, infeliz por ser conhecido como um coadjuvante de um filme preto-e-branco de baixíssimo orçamento, mas abraçou seu status de celebridade obscura e conquistou um lugar especial no hall do cinema e dos fãs de terror. Fora o primeiro capítulo da série de Romero, ele ainda atuou com o diretor sendo um figurante em “Exército do Extermínio” (The Crazies, 1973) e até se arriscou na direção de dois longas.

Descanse em paz, Bill “Cemetery Zombie” Hinzman! E, por favor, vê se não volta.

Não satisfeitos em inserí-los nos quadrinhos (e aproveitando o sucesso da franquia no cinema), resolveram criar um filme sobre a prima . Com elenco fraco, direção ainda pior, uma história de dar risada e muitas, mas muitas bizarrices, “Supergirl” chegou aos cinemas 1984 – e entrou para o mesmo limbo de adaptações ruins como as que já falei aqui no blog.

Prepare seu lenço, porque você vai chorar – de tédio, desgosto ou de rir – com….Supergirl!

(Aliás, desde agora, vamos estabelecer uma diferença: o filme é “Supergirl”, mas preciso tratar a heroina de maneira diferente. Me recuso a chamar de Super-Moça, então vou apelar para o regionalismo, só porque fica bem engraçado: Super-Guria)

Vamos lá: para começar, a Super-Guria em si tem um pequeno defeito: ela é a versão de saias do Super-Homem. Enquanto até o Robin tem suas diferenças (menos bugigangas e mais acrobacias que o Batman), a moça é uma cópia exata do seu primo, com todos os poderes, fraquezas e personalidade. Logo, a ideia é recrutar o público feminino que não se sentiu atraído pelo longa de Christopher Reeve. O problema? O resultado final é tão ruim, mas tão ruim, que parece que subestima o gosto e a inteligência das mulheres fãs de quadrinhos.

Cheirando flor? Eu quero ver é porrada!

A história é um desgosto só: Kara vive em uma colônia que sobreviveu à explosão de seu planeta – ou seja, nada de chamar Kal-El de “o último filho de Krypton”, porque sobrou muita gente! Enfim: a moça estava brincando com a esfera que mantém o abrigo vivo quando um inseto criado por ela (não pergunte) abre um rombo no local,fazendo com que o objeto saia voando pelo espaço e caia, óbvio, na Terra. JURO. É ISSO.

Para consertar a besteira, ela pega uma nave e parte para o resgate da esfera, que caiu praticamente no colo de Selena, uma bruxa que mora em um parque de diversões e cujas malvadezes incluem fazer uma poção do amor. Ainda tem um lance romântico extremamente sonolento com o mesmo interesse da vilã, mas vocês querem mesmo que eu me aprofunde nisso?

Aí ele vai beber isso e se apaixonar por mim! E, sim, só depois vou conquistar o mundo!

O disfarce da Super-Guria é coisa de gênio: em vez de buscar a esfera de uma vez, ela se infiltra em uma universidade, arranja colegas de quarto (a irmã de Lois Lane, olha que coincidência!) e faz coisas normais, como jogar softball, enfrentar bullies e participar de aulas – afinal, sua colônia nem está sendo quase extinta lá no espaço, né, minha filha?

E uma grande ausência é sentida aqui: o próprio Kal-El, que só é citado em falas e aparece num pôster durante o filme. Ora, “Supergirl” ocorre antes do quarto filme da franquia, portanto Reeve poderia fazer uma ponta numa boa. Será que ele viu a bomba que era e resolveu pular fora? Esperto, muito esperto.

Aliás, uma coisa que eu nunca entendi: como funciona o uniforme? Ele já veio de Krypton? Do nada, a Super-Guria aparece de roupa trocada (o mesmo do primo, mas com uma saia), mesmo sem ter visto o Super-Homem em ação. É assim: ela cai em um lago, mas quando pula para terra firme, já está de roupa nova (ela faz isso de novo, na hora do disfarce) e até com o cabelo seco. Super poder feminino! Será que ela faz as unhas com essa rapidez também?

No disfarce de Kara, a cor do cabelo é diferente. Colocar óculos é para os fracos!

Os voos são bem chatos, mas os efeitos especiais não estão menos datados do que um “Superman III”. O problema são os cabos, que estão bem mais evidentes (literalmente, dá até para ver um ou outro).  O ritmo cai absurdamente no meio do filme, deixando tudo muito insuportável. Mas ele até que concentra bastante ação: Kara derrota dois criminosos que a abordam na estrada, salva o par romântico e a amiga de uma escavadeira descontrolada (juro!), vence raios mandados pela vilã por um poste sobrecarregado, escapa da Zona Fantasma e finalmente derrota Selena em uma batalha final extremamente desinteressante e beeeeeeem mais longa (e maluca) do que deveria ser.

A parte técnica dá para mencionar em um só parágrafo: a direção é de Jeannot Szwarc, cujo nome é tão incompreensível quanto a existência desse filme. Ah, ele dirigiu “Tubarão 2″ e vários episódios de séries recentes (e de sucesso), como “Grey’s Anatomy”, “Fringe” e até “Smallville”. Kara é interpretada por Helen Slater, que tem um currículo nada invejável: várias pontas em seriados e filmes lançados direto em VHS ou DVD. Faye Dunaway, com carreira extensa e papéis grandes (a Bonnie de “Bonnie e Clyde”), dá vida à exagerada Selena. Os únicos coajuvantes que valem ser citado são Mia Farrow (a Rosemary, que faz a mãe de Kara por uns cinco minutos) e Peter O’Toole, o Lawrence das Arábias, que devia estar em uma pindaíba desgraçada para aceitar o papel de mentor da Super-Guria.

500 dólares e posso ficar com meu figurino? Fechado!

No caso de O’Toole, claro que rola um flashback com ele no final só para dar a força que faltava à heroina quando a coisa aperta. Ah, se fosse assim na hora de fazer aquelas provas de matemática…

Existe ainda uma “versão do diretor” de 2h15, meia hora a mais do que a original. Óbvio que preferi o filme normal, que já foi uma sessão bastante torturante. Para finalizar, a trilha é uma versão genérica e de (falta de) qualidade incomparável com o tema de John Willians.

Kara, a ovelha negra da família –El

Em resumo, “Supergirl” é um filme raso, totalmente esquecível, de ritmo desequilibrado e com um roteiro mais ingênuo e cheio de insconstâncias do que os quadrinhos da Era de Ouro. Passe por ele voando mais rápido do que o Homem de Aço!

No canto esquerdo, de calções brancos, direto de Louisville, Kentucky, o campeão dos pesos-pesados….Muhammaaaaaaaaad Aaaaaali!

No canto direito, com uniforme vermelho e azul e cueca por cima da calça, direto de Krypton, Kal-El, o Supeeeeeeeeer-Hooooooooooomem!

A trama é extremamente rasa e boba, mas pelo menos bolaram um pretexto para a luta. É assim: uma espécie alienígena aponta várias armas para a Terra, que eles consideram um planeta hostil. Eles só não disparam se o campeão de nosso planeta vencer o maior guerreiro deles, um ET brutamontes genérico. Mas quem pode nos representar? De um lado, o super-herói das massas, adorado pelo povo e naturalizado terrestre; do outro, o pugilista mais famoso e talentoso da época. Dessa discussão, os alienígenas promovem uma partida “preliminar” entre os dois, para que o vencedor enfrente então o titã de outro planeta

Na história, o Super-Homem está sem os poderes, devido a um Sol Vermelho (não pergunte), enquanto Ali, alguns anos antes de encerrar a carreira, ainda era um ás no ringue. Mas o interessante é que a personalidade do lutador também foi mantida: há uma batalha de egos entre os personagens, o orgulhoso super-herói e o provocador pugilista, que tenta ganhar as lutas pelo psicológico antes de subir ao ringue.

Amigos, no final das contas.

No desenrolar, entretanto, eles se tornam amigos – e o super-herói é até treindo na arte do boxe por Ali, para que a surra não seja tão humilhante. Outra maluquice: durante a luta, a narração é de ninguém menos que Jimmy Olsen (mas poderia ser do Galvão, não é mesmo?), com comentários de Lois Lane (pode, Arnaldo?). E o Super-Homem entra acompanhado de seu treinador, o chefe de Clark Kent, Perry White (em uma figuração só para dizer que ele existe).

O desenho é típico da época em que foi lançado, mas com alguns detalhes adicionais e uma fluidez invejável até nos dias de hoje. São belas ilustrações de Neal Adams, que consegue transmitir a emoção das lutas, os movimentos dos pugilistas e a personalidade de Ali, que está incrivelmente realista.

(Clique para ampliar)

Só que não dá para falar do traço sem elogiar a capa, que é o carro-chefe do quadrinho. Além de visualmente épica e chamativa, ela é cheia de detalhes e “easter-eggs”. Para prestigiar a “luta do século”, estão lá personalidades como John F. Kennedy, Frank Sinatra, Christopher Reeve, Woody Allen, Jackson 5 e até o Pelé – fora heróis em suas identidades secretas, como Barry Allen (Flash), Hal Jordan (Lanterna Verde) e Oliver Queen (Arqueiro Verde). O duro é encontrar todo mundo!

Mas o protagonista do quadrinho é mesmo Ali. Os maiores discursos são dele, as piadas, os grandes momentos na luta, tudo gira em torno do astro, que naquele ano estava dando adeus aos seus cinturões de pesos-pesados. Ele se mostra pouco humilde, muito brincalhão e irreverente, mas no fundo uma grande pessoa – como é o boxeador na realidade.

Era melhor ter fugido com a Mulher-Maravilha!

Só uma coisa me irritou bastante: algumas falas são bastante longas, mas a fonte dos balões é grande. Desse modo, os discursos são longamente divididos em vários quadrinhos, separados por “…” em vez de pontos finais – mas eles nem sempre são bem colocados. Isso faz com que a leitura dessas frases, algumas bem divertidas, seja cortada bruscamente por causa dessa separação.

Essas….frases cortadas no….lugar errado ficaram péssimas.

Além disso, a luta entre os dois poderia ser mais longa, quase como os da franquia “Rocky”, por exemplo, que mostra alguns rounds quase na íntegra. No segundo combate esse problema é menor, mas um quadrinho sobre boxe exige cenas mais duradouras.

Ainda assim, Superman x Muhammad Ali é uma grande história de super-heróis da vida real e fictícia, um grande ensinamento sobre o boxe e um clássico das bizarrices do universo dos quadrinhos que inexplicavelmente dão certo. Recomendo!

Foram dez (!) filmes normais, uma aventura no espaço (!!), uma luta contra Freddy Krueger (!!!) e….um remake. Demorou, mas em 2009 o assassino da máscara de hóquei foi repaginado para os dias atuais, apagando o passando nem tão brilhante (a série tem várias bombas, vai) do sujeito. Na primeira disputa, “A Hora do Espanto” original deu uma surra no remake. Será que a história se repete?

Aqui temos um caso diferente, já que vou levar em conta três filmes da série original (a Parte 1, com Pamela Voorhees sendo a assassina; a Parte 2, com Jason usando um saco de pão na cabeça; e a Parte 3, na qual ele finalmente obtém a máscara de hóquei. São sequências quase diretas, que se completam e são capazes de fechar uma trilogia de respeito na história do gênero de terror. Mas será que os 30 anos que separam as duas gerações fizeram tanta diferença assim?

Jason

No protagonista, uma coisa não dá para diferenciar: ambos são malucos homicidas com uma máscara de hóquei – e isso já o suficiente para ao menos ganharem nossa simpatia. Mas os dois são levemente diferentes no modus operandi.

O Jason clássico é aquele que, enquanto você corre desesperadamente, anda sem preocupações e sempre chega aos locais antes de você. Nos primeiros filmes, ele até arrisca alguns piques, mas o “teletransporte mágico” é sempre mais efetivo. E ele tem racionínio lento, sendo chamado até de retarded creature em um dos longas (compreensível, afinal ele é um sujeito com sérios problemas mentais). A maquiagem do rosto deformado não é lá essas coisas, mas o saco na cabeça e a máscara de hóquei têm seus méritos.

Já o novo Jason é um caçador. Ele viveu por décadas na floresta de Crystal Lake e aprendeu a correr, montar armadilhas e aguardar o momento certo para dar o bote nas vítimas. Isso o deixa até mais perigoso que o original, que se aproveitava mais da burrice das vítimas (vamos chegar lá daqui a pouco). O visual é o clássico, um sujeito (bem) alto e forte com roupas surradas e a máscara.

O Jason original, ao menos nos primeiros filmes, era humano e até um pouco realista. Tomava decisões estúpidas, perdia algumas vítimas e sentia dor, apesar da resistência. O novo é mortal e nem dá chances para os pobres adolescentes . Mas essa força não o impede de perder o primeiro ponto de hoje. 1×0 para o original!

O sobrevivente

Nos primeiros filmes da franquia original, temos três protagonistas diferentes, todas mulheres santas, determinadas e sem pensar em sexo ou drogas durante serial killer – ou seja, a fórmula da sobrevivência nesse tipo de filme. Adrienne King, Amy Steel e Dana Kimmell gritam, correm, se escondem e surram Pamela ou Jason até a exaustão, oferecendo resistência e representando  o “bem” com méritos.

No remake, a mocinha da história é…bem….Jared Padalecki, o Sam de Supernatural. Apesar de mais maduro (e encorpado) graças ao seriado, ele parece ter regredido na atuação e esquecido tudo o que aprendeu caçando todo tipo de criatura do mal, fazendo só o básico do irmão superprotetor.

O herói do remake tem um arco original e até possui alguns momentos de heroísmo, mas falta muito feijão para chegar em King (Parte 1) ou Steel (Parte 2), para quem realmente chegamos a torcer durante os filmes. 2×0 para o original!

Os presuntos

Apesar de serem meros coadjuvantes (sendo que alguns não têm nem nome ou presença nos créditos), eles são os responsáveis por criarem o mito de Jason e servir de aquecimento para a “luta final” com o sobrevivente.

Para analisar o original, precisamos entender que as décadas de 1970 e 80 ainda eram um período de desenvolvimento do subgênero slasher, que inclui os serial killers. O foco era em criar um assassino memorável, não vítimas para o público torcer – e isso leva aos personagens bobos, policiais incompetentes e por aí vai – “Sexta-Feira 13”, assim como a série “Halloween”, ajudou a criar esses clichês. Enfim, desse grupo, nenhum se salva, sendo só pretextos para Jason mostrar suas habilidades com machetes e armas pontiagudas.  Mas aí vale a pena citar “A Hora do Pesadelo”, por exemplo, que conseguiu por um tempo criar personagens com alguns neurônios de sobra.

No remake, eu não esperava gênios, intelectuais ou santos, já que é uma característica da série ter alta uma contagem de corpos de gente estúpida. O problema é que o filme de 2009 eleva a burrice a um novo patamar: TODAS as decisões tão mal tomadas, os personagens do sexo oposto só se pegam e os do mesmo sexo só bebem, usam drogas e fazer piadas bestas. Assim fica fácil para o assassino!

Empate. Ambos os filmes apresentam estereótipos banais, rasos e muito, muito, mas muito burros. 3×1!

Mortes e efeitos especiais

O primeiro filme tem um suspense excelente, garantido pelas mortes bem executadas e bastante criativas –já que o negócio mais trash e zoado começou do quarto capítulo para a frente. Isso sem mencionar os efeitos de Tom Savini, o mago por trás de algumas das maiores mortes do gênero e dos zumbis azuis de George Romero, que participou do primeiro longa e influenciou fortemente o segundo. A maquiagem utilizada nos corpos e feridas é de alta qualidade, mostrando todo o poder de Jason sobre suas vítimas.

Ao menos isso o remake tentou preservar. As mortes são bem filmadas e tudo mais, mas alguns exageros são novamente cometidos, como a perícia impecável em arco e flecha do psicopata. E cadê a criatividade? O original usava picador de gelo, enfeite, faca de cozinha e tudo o que encontrava pela frente para matar, enquanto o novo acaba se rendendo mais à boa e velha machete. Os efeitos? Tudo CGI, para variar, isso quando não são mortes off-screen.

Fácil: 4×1 para o original!

“História”

Acredite, ela existe! A nova história tem uma leve novidade, com o personagem de Padalecki investigando o sumiço da irmã e um começo bastante nostálgico, remetendo ao filme original com a mãe de Jason. Além disso, as primeiras matanças são com o pano na cabeça, em nova homenagem. Apesar da boa tentativa de Marcus Nispel (do também remake “O Massacre da Serra-Elétrica”, que deve ser o próximo analisado na seção), isso não é o suficiente para segurar nada. É a fórmula sexo+morte+sexo+morte+drogas+morte, mas não dá para dizer que eles não tentaram.

Já o original tem um arco interessante, fechado e criativo: começa com a lenda de Jason, passa para ele em carne e osso e termina com o auge e queda do serial killer. Aliás, o destaque nem vai para o assassino, mas para Pamela Voorhees, que surpreende e rouba a cena no primeiro longa, esquentando o banco para a carnificina do filho. O terceiro filme é a ovelha negra aqui, pois acaba regredindo bastante e inicia a direção em piloto automático da série.

É inegável: a surpresa de Pamela Voorhees no primeiro, o surgimento do ícone da série no segundo e a máscara de hóquei no terceiro. Que trilogia! É ponto para o original! 5×1, é goleada e o mesmo placar da disputa anterior!

Placar final

Original 5 x 1 Remake. A nostalgia rola solta ao vermos Jason novamente, isso não dá para negar, mas os primeiros três capítulos da franquia do assassino da máscara de hóquei são imbatíveis. Mas sejamos honestos: o filme mais novo até vale como entretenimento – e nada mais que isso. A sensação de rever a mesma fórmula só serve para concluir que Jason não precisava de uma atualização, já que seus filmes ainda se seguram como garantia de qualidade e diversão.

(Para quem é realmente fã da série, o documentário “His Name Was Jason”, lançado para alavancar o  remake, é um prato cheio. Ele analisa ricamente cada filme da série e traz entrevistas até com os mais coadjuvantes dos coadjuvantes.)

Essa é uma realidade completamente diferente das dos “gamers casuais”, que levam a jogatina na brincadeira e preferem só os maiores lançamentos da indústria. Mas ela existe – e é retratada com muita personalidade em “The King of Kong : A Fistful of Quarters”, um documentário de 2007 sobre a rivalidade entre dois jogadores profissionais de Donkey Kong que lutam pelo recorde mundial do clássico.

Lembrando que Donkey Kong é aqueeele jogo de plataforma vertical inicialmente lançado para os fliperamas em 1981 que marca o primeiro aparecimento do gorila que dá nome ao game, do Mario (ainda sem nome) e da Princesa Peach (idem). O bacana é que o filme não mostra só o duelo entre os dois jogadores retratados, mas explica todo o funcionamento do jogo (que é bem mais complexo do que fugir de barris atirados pelo bicho) e o porquê de tanta gente ser fascinada por esse tipo de coisa. Rapidamente, ainda somos apresentados a outros clássicos, como Qbert e Centipede, que eram algumas das revoluções daquela época em termos de video game.

Na “trama”, ficamos sabendo da história de Steve Wiebe, um professor de física que teve vários fracassos na vida, seja trabalhando em uma companhia aérea ou como jogador amador de beisebol. Buscando uma nova (e talvez última) chance na vida de ter sucesso em alguma coisa, ele começa a jogar Donkey Kong como um passatempo – e descobre que, a partir de probabilidade e desenhos vetorizados, ele é capaz de ser o melhor do mundo.

O outro lado da moeda é Billy Mitchell, uma celebridade no universo dos video games. Ele conquistou o recorde de meia dúzia de títulos na década de 1980 e era o detentor da marca de DK na época das filmagens. Mas ficamos sabendo que ele é também extremamente narcisista, metido e antipático com quem ele acredita que não mereça um bom tratamento. Também conhecemos outros jogadores (a maioria 100% o biotipo e a personalidade do jogadores reclusos e anti-sociais) e até Walter Day, o “juiz oficial” dos torneios que mantém um site sobre os recordes, o Twin Galaxies.

Steve Wiebe e Billy Mitchell, os dois pesos-pesados de Donkey Kong.

O diretor, Seth Gordon, ganhou espaço em séries de TV, dirigindo episódios avulsos de grandes comédias como Community, The Office e Modern Family, além do longa “Quero Matar Meu Chefe”. Em King of Kong, feito antes desses trabalhos, já podemos notar o talento do sujeito para o humor e temas obscuros, porém interessantes. Tem futuro, o rapaz.

Mas o filme perde um pouco da magia documental em mostrar Wiebe como o mocinho passando pela “jornada do herói” e Mitchell como um vilão malandro e sem escrúpulos. Ele tem até “capangas” extremamente chatos que ficam de olho na pontuação do rival e até puxam papo com ele na tentativa de desconcentrá-lo! Pesquisando por aí, vi que não era bem assim: os dois já se encontraram amigavelmente várias vezes. Esse tipo de coisa tira um pouco a credibilidade jornalística, apesar de acrescentar uma carga dramática bem maior: é impossível deixar de torcer pelo professor fracassado.

E você ainda reclama dos gráficos daquele jogo de PS3…

Ainda assim, a edição é incrível, mostrando de maneira épica o desenrolar da história e passando bem como é o clima dos torneios de video game com títulos já obscuros e jogadores que são pais de família e funcionários de empresas. Até o final, que mostra um plot twist de maneira pouco convencional, é capaz de fazer o público vibrar pela maneira como é contado.

Aqui, os video games são levados a sério, como um passatempo bastante válido. Mas Gordon mantém os pés no chão: mostra a família de Wiebe preocupada com a jogatina intensa e não tenta traduzir o jogo como uma metáfora para o ser humano ou algo parecido. King of Kong não é só um documentário sobre video games (embora quem não suporte o tema não passe da primeira meia hora), mas sobre histórias e estilos de vida. Por mais esquisitos e diferentes de nossa realidade que eles possam ser.

O universo dos games é tão sensacional e dinâmico que nenhum dos dois jogadores sobreviveu com o recorde, o que aumenta ainda mais o valor histórico do documentário. Em fevereiro de 2011, cinco anos após a última conquista, o cirurgião plástico Hank Chien ultrapassou Mitchell e Wiebe e tornou-se o atual recordista de Donkey Kong. Fascinante, vai dizer.

Mas vamos ao que interessa: as “pegadinhas” dominaram o humor brasileiro na década de 1990. Todo grande programa fazia um quadro próprio, com credibilidade ou não, com graça ou não. O SBT, claro, foi um dos destaques aqui, fazendo algumas das esquetes mais clássicas e com piadas que não envelhecem. As críticas sobre expor pessoas a situações constrangedoras por um cachê são bons argumentos, mas, no fim das contas, essa é uma forma de humor que impregnou na televisão.

E qual será a magia das Câmeras Escondidas, hein? Os atores (Ivo Holanda, Gibe, Carlinhos Aguiar, Ruth Roncy e demais mitos) ou os comentários do Silvão durante os quadros? Assistir a qualquer outra série de pegadinhas simplesmente não é a mesma coisa: você sabe que tem alguma coisa errada, que falta aquele tempero.

Da mesma forma que os momentos do Sílvio Santos foram imortalizados pelo YouTube, a mesma coisa aconteceu nesse caso, graças a umas almas bondosas que uparam as pegadinhas mais memoráveis. E é legal como nada é uma unanimidade: todos concordam que são bons quadros, mas na hora de definir os favoritos nunca sai um consenso. Isso porque algumas pegadinhas são extremamente clássicas por si só, mas outras vão totalmente pra um gosto pessoal, um valor próprio que só você consegue entender.

Apesar de falar só sobre uma das atrações de um dos programas do Patrão, que abordei na postagem anterior, esse post aqui tem um valor sentimental bem maior do que o outro. Pode parecer bobo, mas algumas das lembranças mais legais que tenho do meu pai é dos momentos em passamos rindo – e não tinha um “Topa Tudo Por Dinheiro” em que não caíamos do sofá de tanto gargalhar com as situaçõs repetidas, as piadas prontas e tudo mais. Sei lá, simplesmente era engraçado e fazia as noites pré-segunda parecerem o melhor momento da semana.

Eu não sou muito de fazer listas em ordem de prefência, mas esse caso é diferente. Com vocês, as 5 melhores Câmeras Escondidas de todos os tempos!

5- Bilhete de loteria

Ganhar na Mega-Sena é bom, mas ganhar na Mega-Sena pegando um bilhete premiado que um sujeito jogou no lixo é melhor ainda. O problema é que todo mundo pensa igual a você.

4- Sala radioativa

“SAI DAÍ, CARA! VOCÊ VAI MORRER, VOCÊ VAI MORRER! SAI, SAAAAAAAAAAAAAAAAAI!”

3- É um, pá pá pá!

Não mostraram ninguém tendo uma reação mais “radical” (leia-se destruir o quiosque ou indo lá pra trás e enchendo os atores de pancada), mas eu tenho certeza que teve algum esquentadinho assim.

2- Caveira na moto

Essa é talvez a mais famosa, porque foi uma das primeiras que atingiu o YouTube – e também porque é muito engraçada, vai. Bem melhor que a prima mais velha, com o esqueleto no táxi.

1- Thompson

Demorei muito para achar essa aqui no YouTube, mas depois foi só alegria. É incrível como um quadro tão simples conseguia me fazer rir tanto. Fora a Câmera Escondida em si, um dos fatos mais geniais é que ela tem uma versão alternativa que parece ser mais velha, mas tem tiradas igualmente incríveis. É o saudoso Gibe no auge de sua atuação canastrona. E ele, o homem, o mito, a lenda, “THOOOOOOOOOMPSON!”

Ele administra a emissora mais popular do Brasil, com uma das histórias mais incríveis da comunicação brasileira (eterna vice, com programas de gosto duvidoso e problemas financeiros) e uma superação/ resistência invejável (afinal, o jeito trash faz com ela tenha tantos inimigos quanto fãs).

Ele indica filmes que sequer viu, mas que a filha dele viu e disse que era muito bom. E ainda pede para você assistir ao programa dele depois que o da Globo acabar.

Ele ainda faz negócios que parecem absurdos (como um seriado mexicano de baixíssimo orçamento ou novelas de atuações exageradas e closes desnecessárias), mas que se revelam um sucesso tão estrondoso quanto qualquer atração da rival.

Esse é Senor Abravanel, o Silvio Santos, o Patrão, o Silvão. Aquele cara que até hoje deixa as senhoras sem fala e que passa uma simpatia incomparável pela tela da televisão.

 Claro que nem ele é perfeito: muita gente critica o relacionamento dele com os funcionários nos bastidores e ele mesmo fez algumas cagadas, como ignorar a administração do banco Pan Americano (que deu no que deu).

Mas hoje é aniversário de 81 anos do cara. Aliás, d’O Cara. Em comemoração, além de ficar com “Ritmo de festa” o dia inteiro na cabeça, reveja (porque acredito E ESPERO que todo mundo já tenha visto os vídeos abaixo) os 5 momentos mais incríveis da história de Sílvio Santos sem ordem preferencial!

O Patrão dando lição

O mais recente do top é uma entrevista que pode parecer chata, longa e desintessante. Mas cada palavra que ele solta é uma lição que precisa ser absorvida não só por quem é da comunicaçã, mas por quem quer vencer na vida. E ele tá de bermuda rosa e camisa florida.

Mas enquanto issoôÔÔ

Talvez o mais famoso do top, esse vídeo faz parte do programa mais incrível que as noites do SBT já abrigaram: “Topa Tudo Por Dinheiro”. Não sei o que acho mais sensacional: a música de suspense, a fala característica, os risos ou ele saindo ensopado do tanque.

Mil reais ou uma fotografia com o Raça Negra?

Tem gente que lembra da banda só por causa disso aqui. Não lembra? Um inocente garotinho fã do grupo vai até o palco, conversa bastante com o Patrão e é obrigado a responder a algumas perguntas sensacionais e passar pela trollagem absurda do apresentador. São 15 minutos só para fazer uma criança feliz. Fora essa história, destaque para “Cê sabe quantos cartuchos eu tenho de video game?” como argumento de respeito.

Sílvio Santos e o bambu

Sem mais comentários. Próximo.

A bola, o arco-iro e “aquilo que vocês conhecem”

Sílvio Santos mostra que é a simpatia, a ginga, a paciência em pessoa. Não consigo imaginar outro apresentador tratando o cara de uma forma tão sensacional quanto ele. Parece, sei lá, uma esquete de um programa de humor.

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Mesmo depois de tudo isso, ainda não me convenci de que seja justo fazer um top5 do Patrão. Quer saber? Vá ao YouTube, digite “Silvio Santos” no campo de busca e perca (ganhe!) mais alguns minutos com o cara mais sensacional do planeta. Um dos meus ídolos na área e, vai lá, na vida.

(Impossível falar dele sem recomendar o blog Baú do Sílvio, que a fonte de informações mais completa sobre a história do apresentador e algumas aleatoriedades.)

É a segunda alternativa que define “A Hora do Espanto” (Fright Night), um dos filmes mais sensacionais da mistura de terror com comédia adolescente que invadiu a década de 1980. O jovem Charlie descobre o terrível segredo de Jerry, um sedutor vampiro que está atrás de Amy, o par romântico do rapaz. Para combater o morto-vivo, ele faz uma união com Peter Vincent, ícone da televisão que deveria ser um especialista em matar essas criaturas, mas não passa de um charlatão.

Em 2011, o clássico ganhou uma nova versão, bem mais moderna, com novos efeitos especiais e uma safra de atores jovens. Mas será que valeu a pena refilmar “A Hora do Espanto”? E, se o filme não se sustentar como remake, será que ao menos um bom entretenimento? Em cinco quesitos, tento responder isso e mais um pouco na nova seção do Terrivialidades, o Original x Remake!

O protagonista

Charlie Brewster foi bastante modificado. No filme original, ele é um garoto ingênuo, porém leal aos amigos e heroico quando necessário. Além disso, é aficcionado por filmes de terror, especialmente o programa apresentado por Peter Vincent – quase um “Cine Trash”, aquele com o Zé do Caixão na Band. Ele tem muitas dificuldades em superar Jerry, já que é um adolescente comum. A atuação de William Ragsdale não é incrível, mas dá conta. A relação com a namorada é a melhor possível e ele realmente gosta da garota – algo raro hoje em dia, se levarmos em conta o outro Charlie.

Isso porque a versão de Anton Yelchin é um legítimo “pé no saco”. Para ser cool, ele desfez a amizade com um colega de longa data porque a galera descolada não poderia ver ele andando por aí com um nerd. A virada de mesa e a transformação em um herói é tarde demais, soando falsa e sem sentimento. Além disso, ele só virou um imbecil para dar uns pegas no par romântico – que de romântico não tem nada, já que fica claro que o interesse de Charlie é puramente o sexo. Ainda assim, ele parece muito mais determinado e preparado que o personagem original, sendo capaz de ferir Jerry sem pensar quando tem a chance.

A vitória vai para o Charlie de 1985, um legítimo heroi comum, um protagonista simpático e envolvente, com quem nos identificamos facilmente. Um a zero para o original.

O vampiro

O Jerry original tem um ar aristocrático, característico das criaturas clássicas. O cara é simpático, galã e inteligente, mas mortal – tudo o que Bela Lugosi ensinou um vampiro a ser no “Drácula” de 1931. Apenas percebemos sua agressividade e seus instintos mais primitivos durante as sequências finais, quando a situação está contra ele. Chris Sarandon consegue transparecer todas essas características com segurança, nos deixando com medo daquele vizinho esquisito que todos têm.

O Jerry do remake é o destaque do filme. Colin Farell vem fazendo trabalhos cada vez melhores em personagens que exigem bastante. Aqui, temos um vilão mais falante, que faz piadinhas e tem tiradas ótimas. Além disso, a agressividade é mais presente, com cenas violentas e investidas muito menos sutis. Por fim, em vez do ar clássico e as roupas que mostram apenas o rosto atraente, o Jerry do remake fica com os braços de fora o tempo todo, dispensando a típica sedução psicológica do vampiro.

Aqui temos um empate técnico. São personagens bem diferentes e eficientes. 2×1.

Os coadjuvantes

Peter Vincent (cujo nome é uma homenagem a Peter Cushing e Vincent Price, dois grandes atores do gênero) ganhou uma nova versão: em vez do apresentador de programas de terror na TV, ele foi modernizado para um mágico com truques sobrenaturais. David Tennant atua muito bem no novo longa, mas, conhecendo o personagem de Roddy McDowall, não há como simpatizar com esse aqui, que consegue ser ainda mais chato que o Charlie do começo do longa.

O Peter Vincent do original é um senhor de idade covarde e amargurado, que se arrepende de seus atos ao ver em um fã adolescente a paixão pelo sobrenatural e a fé que ele já não tem mais. No remake, é apenas um bêbado arrogante que, por uma ligação antiga com Jerry, resolve ajudar Charlie durante a ação.

Evil Ed, o melhor amigo de Charlie, foi desfigurado. De um garoto esquisito (Stephen Geoffreys) bastante amigo e troll, ele virou um nerd magoado – e é interpretado pelo cara que sofreu o maior typecasting dos últimos anos: Christopher Mintz-Plasse, o McLovin, praticamente repetindo o papel que o consagrou. Quando transformados, entretanto, ambos estão na mesma altura.

A namorada de Charlie também mudou: de uma garota insegura e indefesa no original (Amanda Bearse) para uma quase-mulher atraente e de bastante iniciativa (Imogen Poots). Apesar da personagem antiga ter mais importância na trama, aqui a disputa é equilibrada.

Na soma dos placares, outra vitória do original. 3×1!

Os efeitos

Aqui não tem papo: no remake, a maioria dos sustos são feitos pelo aumento da trilha sonora, para variar. Já os efeitos visuais são bons na composição do vampiro, mas o sangue, que faz parte do efeito 3D do filme, é artificial demais. Os corpos queimando não ficaram ruins, mas não sou o maior fã de CGI nos filmes de terror, ainda mais quando ele pode ser evitado.

Em 1985, a boa e velha maquiagem fazia coisa muito melhor. O gore é tão exagerado que se torna divertido e o sangue verde do vampiro impressiona, mas não passa nojo. O rosto modificado é o mais simples possível – e assustador, que é o que importa.

O original leva de novo e se distancia! 4×1!

A história

A vitória já está certa para o filme original, mas será que o remake não consegue um pontinho extra?

Não. Isso porque o ritmo do filme de 2011 cai assustadoramente depois de uns 50 minutos de projeção. A partir da fuga dos personagens pela estrada, você conta cada segundo até o final do longa, percebendo que ele insere elementos dispensáveis e que só estão lá para impressionar visualmente. No filme original, isso não acontece e tudo passa rápido até demais – por isso temos até uma sequência que é igualmente divertida.

As modificações, exceto as feitas em Jerry, ficaram bastante inferiores. Uma das tramas mais legais do filme era o desapontamento de Charlie com Peter Vincent e a vontade dele em ajudar o garoto, mesmo sendo ele só uma farsa criada pela televisão. No remake, além do personagem estar totalmente descaracterizado, há uma trama envolvendo ele e Jerry que dá vergonha pela cafonice.

Apesar disso, o remake respeita bem a mitologia dos vampiros, faz referências e boas piadas, o que algo respeitável em épocas de “Crepúsculo”. Mas isso não é o suficiente: o original é inteiro uma grande homenagem, tem uma história com começo, meio e fim, passa em um ritmo gostoso e é entretenimento com classe.

Virou goleada! 5×1 para a versão de 1985!

Placar final

O “A Hora do Espanto” original é feito por quem gosta do gênero e queria prestar uma homenagem bastante sincera. Ele está um pouco datado, mas tem aquele clima da época que é irresistível no terror. No mais novo, apesar da produção bem feita, não consigo sentir isso na mesma intensidade.

Mas o remake não é um filme horroroso e dispensável, podendo valer como um passatempo. O problema é que ele não existiria se não fosse esse clássico do gênero. Vendo o de 1985, o de 2011 fica (ainda mais) fraco e previsível – e a comparação, como em todos os casos de refilmages, é inevitável e quase sempre pendendo para o original.

Pois é. O comandante da SHIELD, a mais poderosa agência de espionagem da editora. Além de estar em um escalão bem mais baixo do que os super-heróis de verdade (ele nem é sidekick, nem herói!), Fury é um personagem que só entra em ação em “missões especiais” (leia-se desinteressantes). Ainda assim, por algum motivo bem bizarro, ele ganhou um filme feito para a TV, em 1998. Com vocês, Nick Fury – Agente da SHIELD!

Vale lembrar que, no universo atual, temos um Nick Fury também. Ele é o típico personagem “faz-tudo”, que ganha qualquer briga, tem frases prontas para qualquer situação e inspira respeito imediato. A diferença? A interpretação de Samuel L. Jackson – cujo papel não é de Nick Fury, mas de Samuel L. Jackson (e isso ele faz muito bem).

Desta vez, temos David Hasseloff, um dos atores mais zoados de toda a sua geração. E não adianta dizer que é perseguição: ele deu motivos mais do que suficientes, como o papel de salva-vidas em “Baywatch” e…

…isso.

Como ator, ele simplesmente é David Hasselhoff. Pouca expressão, muita canastrice e todas as falas com um exagero e uma falsidade incomparáveis. Parece que cada linha dita por Fury precisa ser de efeito, para confirmar que o personagem é “o cara”. Um ponto positivo? Ele ficou parecido fisicamente com o coronel original, mas isso está longe do o suficiente para salvar o filme.

Até o tapa-olho do Samuel L. Jackson é mais estiloso.

Na história, ele está aposentado, mas é obrigado a retomar o posto de Coronel quando o cadáver conservado de seu maior inimigo é recuperado pela filha do vilão, que agora lidera a corporação maligna HYDRA. O corpo do Barão Von Strocken contém um vírus mortal que será – adivinhe – lançado em Manhattan caso pacotes de dinheiro não sejam entregues. Para salvar o mundo, Fury conta com um par romântico que saía com ele no passado, um agente que nunca foi em uma missão e uma moça insegura, porém poderosa – absolutamente todos os clichês possíveis de espiões, faltando só o de agente duplo.

Fora os absurdos e incostâncias dignos de qualquer filme de espionagem. A SHIELD, errando tantas vezes, inclusive deixando a vilã algemada escapar diante de seus olhos, parece ser a pior agência de todos os tempos na área. A vilã tem uma bomba com duas contagens regressivas! E se o cadáver do Barão von Strucken era tão importante, por que guardar em um local de tão fácil infiltragem e não na sede flutuante da SHIELD? E, Nick, por que atirar em painéis sempre faz eles funcionarem, em vez de estragarem de vez?

E a vilã….putz, a vilã. Viper (filha do Barão) é ainda mais exagerada que Fury e uma mistura dos piores clichês envolvendo nazistas/cientistas loucos. O ponto positivo que consegui cavar: não é um filme de origem, mostrando o personagem já seguro e estabilizado. Outra coisa boa é o visual da HYDRA: apesar de serem roupas pretas monótonas e descaracterizantes, os capangas vestem trajes muito melhores do que o uniforme dos quadrinhos, um verde carnavalesco.

Antes um terno sem graça do que uma fantasia de carnaval.

Levando por esse lado, o roteirista é um amador e totalmente sem chances na indústria tão competitiva que é Hollywood, certo? Pois o sujeito é David S. Goyer, que escreveria quase dois anos depois um tal de Batman Begins e sua continuação. A produção é de Avi Arad, responsável por quase todas as adaptações da Marvel nos últimos anos. O diretor é Rod Hardy, especializado em dirigir outros filmes para TV e episódios de séries – mas ele parece ter a menor das culpas aqui.

E dá para notar que Goyer estava em uma fase juvenil. O roteiro é bobinho e não prende em nenhum momento, passando uma infinidade de informações inúteis ao mesmo tempo e aproveitando as menos interessantes até o final. Um nível alto de detalhes funcionou em Batman, mas aqui, com Nick Fury, um roteirista em aprendizado e uma péssima produção, não é a melhor hora de experimentar.

Sim, ela tem sotaque falso e forçado. E risadas do tipo “Mwhahaha”.

Eu não segurei o riso nas cenas de luta corpo a corpo. A indisposição de Hasselhoff é tão grande que a coreografia parece ser feita em câmera lenta. Além disso, são pouquíssimos os tiros disparados, quase nem dando pra classificá-lo como “ação”.

Nick Fury é o filme errado com o personagem errado e o pior ator possível para o papel. Mesmo excluindo o longa do universo Marvel, a situação não melhora: apenas como um filme genérico de ação ou espionagem, ainda é muito preferível apostar em algum dos clássicos de gente que sabe o que faz na área. Stallone, Schwarznegger, Van Damme e companhia mandam abraços. Ou socos na cara, tanto faz.